参展
（按首字母排序）
陈红梅、陈思、龚文颖、林威宇
李尊先、马文勣、文翔
谢弢霖、徐琼珠、杨阳
张丁屹、郑宇雄、周国献
学术伙伴
王远凌
策展
春熙、杨达
展期
2026.06.27—2026.07.27
11:00-17:00（周一闭馆）
地址
武汉影像艺术中心
武汉市江岸区大智无界·空中小镇二层平台
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长于街头
Grow Up On The Streets
非常感谢杨达兄弟的邀请，不才作为武汉影像中心此次的学术伙伴，为新展览————《街头成为现场》，抛砖引玉提供一些个人观点。
既然是伙伴，就要有伙伴的样子。我在重庆，君在武汉，一衣带水，之所以取名“长于街头”，视作呼应，亦是回应。
关于街头摄影的各种讨论，在信息爆炸的当下，可能会因为各种视觉概念与肉身经验，显得纷繁复杂，目不暇接。
但若把时间维度拉得长一些，倒推二十年，就不难发现，“街头摄影“演变过程本身就是中国摄影从纪实化向当代化转型的直接缩影。自2000年后，数码相机在中国开始普及，随着摄影的大众化后，从“在街头的摄影”逐渐走向“摄影的街头化”。
当然，其过程与“街头”这一词语，多年来在社会学上内涵转换也有密切关系。
从最初指向公共地带的“物理空间”，到代指底层的“社会阶层”，到象征反叛与草根的“文化符号”，再到今天受嘻哈文化影响的全球化流行美学，“街头”二字甚至调头与“前卫”、“时尚”直接挂钩。
从摄影上来说，从科特兹、布列松到威廉·克莱因、罗伯特·弗兰克，再到马丁·帕尔、布鲁斯·吉尔登，以及那位永远一身蓝色工装、登着自行车出没于第五大道的比尔·坎宁汉。当然，还有诸如维诺格兰德、阿历克斯·韦伯、梅耶尔罗威茨、森山大道等等，从技法到语境，都对“街头摄影”做出过创新。
回看中国，2003年的《中国人本》，大量出自街头的纪实摄影作品被选入其中，正是这一摒弃以往宏大叙事或单纯追求唯美风光的倾向，将作品对准了普通中国人的生存状态、喜怒哀乐、时代变迁的转变，使其成为了中国当代摄影史上具有里程碑意义的事件。
要知道在当时，街头摄影尚未作为一种类别被直接提出，“扫街”才是当时的标准称谓。
随着都市报等市场化媒体崛起，以“抓住眼球”为目的，使得过去为文字配图的照片开始转向视觉独立，报纸上有了专属刊发“扫街”照片的栏目，为大量刚入行的青年摄影记者们，提供了反应训练场和工分自留地。
此后，一批从媒体走出的摄影师，逐渐成长为中国摄影创作的中生代力量，其作品也激励着大量后来者，在摄影之初，便奋不顾身地走上街头。
于是，在中国城市化进程中乱象丛生的街头，摄影师们开始借助瞬间，截取出色彩、秩序、幽默、荒诞、隐喻等各种满足自我表达的图像，因其中充斥的离间感打破传统审美习惯，而引发的数次口诛笔伐使得“街头摄影”持续保有关注度。
与此同时，互联网社交媒体与移动影像端走向主流，强调单张叙事的“街头摄影”又因其随机性与偶然性，甚至不完美的“粗糙感”，大大提升了公众参与摄影的友好度。
两者合力下，“街头摄影”成为摄影师们的自醒的竞技场和自发的秀场。当然，作为流量思维的竞技场与信息茧房的自我秀场，导致街头照片不可避免地存在图式化、范式化，但这似乎恰好印证了那句：“孤独，是一个人的狂欢；狂欢，是许多人的孤独”。
回看路易·达盖尔于1838年拍摄的坦普尔大街街景，这张被视为第一张包含人类图像的照片，不但定义了摄影术的诞生，还定义着摄影“生于街头”的基因。
而“长于街头”，则更像是被基因决定的，摄影师们的宿命。
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街头摄影从来不只是关于街道的摄影。它看似发生在路口、车窗、巷弄、码头、河岸、广场与人群之间，真正指向的却是人与时代相遇的方式。街头不是一个固定的地理概念，而是一种持续生成的现场：它容纳偶然，也容纳历史；容纳日常的微光，也容纳城市更新中的震荡；容纳个人的漫游、等待、停留与漂泊，也容纳一个地方在时间中不断变形的复杂面貌。
代表作系列群展第三季街头摄影第2期汇集了13位艺术家的作品。相比于将街头摄影理解为某种单一风格，本次展览更愿意将它视为一种开放的观看方法：它可以是纪实的、诗性的、直觉的、冷静的，也可以是充满错位、戏剧性、荒诞感与情绪残响的。街头摄影不必总是追逐所谓决定性的瞬间，它也可以凝视那些缓慢发生的变化，那些尚未被命名的情绪，那些在城市缝隙中闪现又消失的生活片段。
在周国献的《武汉宝庆码头》中，街头首先成为历史的入口。汉正街、宝庆码头、老街居民与旧城改造共同构成一部城市记忆的影像档案。这里的街头不是抽象的公共空间，而是由迁徙、商贸、帮会、口音、风俗与邻里生活长期沉积而成的地方。影像面对的不只是正在消失的街区，更是现代城市高速发展中被连根拔起的日常经验。陈红梅的《城殇与新生》同样聚焦武汉三镇旧城改造中的新旧碰撞：摩天楼、残垣、晾晒的衣物、行走的母子与废墟中的小贩，在同一画面中构成尖锐而真实的时代切片。城市更新不再只是规划语言中的建设，而是普通人生活被改写的过程。
与这种历史性的城市凝视相互呼应的，是郑宇雄《双城记》中对北京与上海的黑白书写。北京与上海作为中国最具代表性的两座超级都市，在作品中既呈现出空间肌理、城市气质与生活节奏的差异，也显露出都市经验的共通性：人们在街头行走、停顿、擦肩而过，建筑与身体彼此塑造，城市的性格最终落在一个个平凡身影之中。李尊先的《车上的风景》《错位》则将观看放置在移动之中。车窗成为框景，也成为滤镜；城市在速度中被压缩为瞬间切片。广告牌、车辆、建筑与行人相互重叠，制造出真实与表象之间的视觉错位。这里的街头不再稳定，而是被速度、反射和偶然组合不断重写。
本次展览中的另一个重要线索，是流动中的个人经验。谢弢霖的《流转》以河流为线索，从重庆到日本，将水的流动转化为时间、迁徙与归属感的隐喻。河流穿过城市，也穿过个体的记忆。它既是地理景观，也是心理景观；既记录城市变迁，也映照青年人在离开、抵达与重新定位之间的处境。文翔的《城市漫游者》则把纽约、巴黎、贝尔格莱德作为自我感知的场域。她的街拍并非旁观式的城市采样，而是身体进入异乡之后，与街道、语言、空气、陌生人和情绪共同发生的经验。城市在她的镜头里不是被占有的风景，而是一种可以与之呼吸、交谈、共振的存在。
陈思的《暂时停留》则跨越美国、中国和哥斯达黎加，以35mm胶片捕捉等待、独处、光线与空旷空间中的细微诗意。不同地域的日常场景在她的作品中被剥离出具体叙事，转化为一种共通的、柔软的停留经验。它们提醒我们，街头摄影并不只属于繁忙和喧嚣，也属于安静、迟疑、等待与未完成的时刻。林威宇的《安步于苹果树下》则以正念冥想般的观看方式回到日常物象，借苹果树下的一颗苹果追问摄影在无目的凝视、平静感知与意义生成之间的微妙关系。它们提醒我们，街头摄影并不只属于繁忙和喧嚣，也属于安静、迟疑、等待、沉思与未完成的时刻。
如果说一些作品强调城市与时间的重量，那么另一些作品则回到观看本身的自由与直觉。龚文颖的《并非戏剧》没有预设主题，而是在散步、小巷、山路、公园与杂物堆之间，与生活交出的巧合相遇。椅子、气球、夕阳、木棍与水面裂口般的形状，构成一种无需编剧的戏剧性。徐琼珠的《可以先叫街头摄影》带着学习者的坦率与热情，强调在思考之前先拍摄，在遗憾、不完美、随机与真情实感中保持对世界的好奇。她的作品让我们看到，街头摄影并非只属于经验成熟者，它同样属于那些愿意把感受交给世界的人。
张丁屹的《街角的弛豫》把镜头对准城市角落中短暂的松弛瞬间。在高速运转的都市中，街角成为情绪的缓冲地，往来的行人、安静的景物与柔和的光影共同构成日常生活中的温柔留白。马文勣的《人间稚趣》则将街头的童真、好奇与鲜活生命力作为观看核心。稚趣在这里并不只是孩童的状态，也是一种抵抗麻木的生活心境：在普通日常中重新发现简单、柔软与热爱的可能。
因此，本次展览中的街头并不是一个统一答案，而是十三位艺术家各自抵达世界的路径。它可能是一座城市的根系，也可能是一段迁徙的水流；可能是车窗外的瞬时景观，也可能是旧城废墟里的生活余温；可能是异乡漫游中的身体经验，也可能是初学者面对世界时未经修饰的兴奋；可能是黑白影调中的双城对话，也可能是胶片中暂时停留的光。
街头摄影最珍贵的地方，正在于它始终保留着开放性。它允许摄影师在不确定中工作，在偶然中判断，在流动中辨认，在普通生活中发现不普通的秩序。它既不完全服从新闻纪实的事件逻辑，也不完全依赖艺术摄影的观念系统，而是在观看者、被观看者、城市空间与时间经验之间形成一种即时而复杂的关系。
街角成为现场，意味着我们重新承认日常的密度。每一次按下快门，都是一次与现实的短暂交锋；每一张街头影像，都是一个时代、一个地方、一个人和一个瞬间之间的临时契约。希望观众在这些作品中看到的不只是街道本身，也看到街道背后流动的记忆、情绪、秩序与生命。街头从不遥远，它就在我们经过、停下、回望和再次出发的地方。
这组作品聚焦武汉三镇旧城改造中的 “新旧碰撞”，以强烈的视觉反差，记录城市更新浪潮里的时代切片与人文温度。背景里的玻璃幕墙摩天楼（如汉口新世界国贸），与前景红瓦旧里分、被拆得只剩框架的居民楼形成强烈对比。一旧一新、一静一动，把城市扩张的 “吞噬感” 直接钉在画面上。废墟里还停着车、飘着晾晒的衣物，卖气球的小贩穿梭在瓦砾堆，牵着手的母子走过拆迁中的老街 —— 这些鲜活的日常，与破败的建筑外壳形成反差，让 “消逝” 不是冰冷的拆除，而是带着烟火气的告别。从高空俯瞰的城市肌理，到巷子里交错的电线，再到残垣断壁里的生活痕迹，镜头层层递进，把 “武汉三镇老城的消逝” 从宏大叙事，拉回普通人的真实处境。这组作品不只是记录拆迁现场，更是在为武汉三镇老城的 “时代切片” 存档：它让我们看到，城市更新从来不是简单的 “推倒重来”，而是旧的记忆与新的生长在同一片土地上交织。镜头里的居民、小贩、孩子，是这场变迁里最鲜活的注脚 —— 他们的日常，让冰冷的废墟有了温度，也让城市的历史有了情感的落点。结尾用一张重叠的影像，它捕捉了武汉三镇“新旧共生” 的矛盾感：老里弄的烟火气和摩天楼的冰冷感，在多重曝光中互相消解又互相成就。重叠的影像也隐喻着城市的记忆：不同时代的建筑、不同时刻的生活片段，都被压缩在同一个画面里，就像这座城市的历史层层叠叠，从未消失，只是以新的方式继续存在。
摄影师，毕业于纽约视觉艺术学院摄影与摄像专业，曾于伦敦艺术大学交换学习。其创作以摄影作为日常观察与记录的方式，关注生活中的细微时刻，以及光线、空间与人之间的关系。
本组作品拍摄于美国、中国和哥斯达黎加，全部使用35mm胶片完成。作品通过对日常场景的持续观察，记录那些短暂而容易被忽略的时刻：停留的光线、等待的人群、空旷的空间。尽管影像来自不同国家，却共享着相似的情绪氛围。作品试图捕捉跨越地域边界的共同经验，并在平凡生活中寻找片刻的平静、温柔与诗意。
工科博士生，在武汉求学第八年。摄影行为是偶发的、陶然的、伴随大量散步的。
这些照片在近三年间陆续拍摄。我没有预设任何主题，只是散漫地穿行过小巷、山路、公园。
我拍下生活交到我手中的一切：合乎情理的，有光的，巧合的，轻微游离的。出现在山林间和杂物堆中的椅子，气球和夕阳的形状重合，木棍漂浮在水上，像湖面的裂口。
生活并不需要别的编剧。世界交错的无数命运线，此刻在相机中留下一个切片。
林威宇是现居伦敦的摄影师、艺术家，主要创作静物、构建影像和摄影装置。他的作品关注物品的情感生命、亲密关系留下的痕迹，以及个人记忆如何在家庭和物质空间中寄托。通过细腻的置景、精准的灯光和静谧的视觉张力，他利用静物摄影来探究那些难以直接表达的主题：欲望、缺席、脆弱、责任，以及亲密关系过后的余波。
我24岁的时候，第一次亲眼看到苹果树。惊讶的是，它和想象中完全不一样。于是，在那棵树下，我拍下了一颗苹果，尽管已经吃了无数颗。
站在图像与语言的沟壑里，《安步苹果树下》展现了我对摄影的探索，以及对拍摄日常场景意义的质问。在这个自我挑战的过程中，我还尝试使用摄影作为正念冥想的方式，以寻求平静。
自由创作者，中国摄影家协会会员。作品曾参展2019年、2023年大理影展，2024年首尔国际摄影节《街拍中国》群展，以及2025年丽水摄影节画廊展。习惯用相机记录日常瞬间，尤其关注城市在动态中呈现的视觉节奏。
《车上的风景》均以车内视角拍摄，捕捉城市在行驶过程中掠过的片段。这些画面并非静态风景，而是时间与速度共同作用下的“瞬时切片”——车窗既是框景，也是滤镜，它将喧嚣的城市压缩成可读的画面，让混乱变得有序，让短暂获得意义。
自由摄影师、设计师，作品关注街头趣味、人文关怀。上海市艺术摄影协会会员、米拍新秀摄影师。
人间稚趣，从不止属于孩童，更是一种难得的生活心境。它藏着纯粹热烈的本心，饱含对世界永远好奇的赤诚，是挣脱世俗束缚、自在鲜活的生命力。捕捉街头日常百态，定格一幕幕温柔瞬间。褪去生活的疲惫与纷扰，唤醒人们心底最本真的柔软，让大家在烟火日常里，重拾简单美好，守住一份天真与热爱。
文翔毕业于四川音乐学院广播电视编导专业，虽然没有系统的学习过摄影，但是从事人文纪实街拍有十年了。早期活跃在纽约、巴黎和贝尔格莱德，最近关注国内的城市系列。
她的创作不止是摄影方面，在诗歌、实验声音和实验短片方面都有涉及。 摄影作品曾在成都、青岛展出；诗歌是很细腻的阳光的具有感受力的日常记录；实验声音作品则充满个性与张力，配以图片和实验长镜头短片，更具跳跃感和戏剧性。
她聚焦日常与个体经验的交织，探索感知、记忆与情绪之间的隐秘联结。她同样重视对日常声景与生活细节的捕捉，将街头的喧嚣、城市的呼吸，转化为具有温度与叙事性的创作素材。她在创作中让画面回归最直接的情绪体验，用镜头构建出属于她的沉浸式感知空间。
她的实践始终关注城市与人、地方记忆与个体身份之间的联系，试图在镜头、声音与文字之间搭建桥梁，让每一次记录都成为激发反思与重构日常经验的媒介。无论是按下快门的瞬间，还是记录下的诗歌，她都希望作品不止被看见、被听见，更能成为观众与自身经验对话的入口。
我喜欢像当地人一样的去不同国家旅居，去记录我所看见的世界。这次作品选自《纽约》《巴黎》《贝尔格莱德》系列，是我最开始进行街拍记录的作品，也是我最喜欢的城市系列。期待不期而遇，期待能有灵魂共振的一刻。
摄影师，作品聚焦于青年经验、地域记忆与身份认同，通过风景、人物与日常空间的记录，探讨当代青年在现实与理想之间的漂泊感，以及人与环境、时间之间不断变化的关系。使其开始关注个体在迁移与流动中的生存状态，并以摄影作为观察世界和理解自我的方式。主要摄影项目包括《流转》《低温光》
《流转》是一组关于流动、记忆与个体处境的摄影作品。创作者以河流为线索，在城市边缘、自然景观与日常空间之间展开观察，将水的流动视作时间与生命的隐喻。作品中既有真实的河岸风景，也有人与环境交织的片段，它们共同构成一种缓慢而持续的情绪叙事。
河流记录着城市的变迁，也映照着个体的漂泊、孤独与自我修复。通过摄影这一媒介，作品试图倾听那些被忽视的声音，让河流成为记忆的容器，并在流动之中重新思考人与自然、人与城市、人与自我之间的关系。
一名2025年起自学的业余摄影爱好者。拍摄使用一台胶片机和手机交替，第一年拍完35卷胶卷，4.6万字学习笔记。自学经历可以概括为“非要驾驶农用三轮车硬挤F1赛道”。我的拍摄技术是购买相机时免费送的，简而言之就是还不太会，但是我对摄影抱有极大的兴趣，摄影的时候能感受到兴奋和好奇，珍惜每一次拍摄机会。
Shoot before mind does. 街拍
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Shoot before mind does. 街拍是在拍摄时真情实感的流露，也是自己观察世界的角度。不太可能去忽视它，也不能伪装，或者敷衍。以拍摄这种方式来保持对世界的好奇和感受，同时也会有一些自由、散漫和随机性。
摄影艺术家杨阳，1999年⽣于中国安徽，现居英国伦敦。其创作关注时间、记忆、亲密关系，以及⽇常⽣活中难以被准确命名却持续存在的情感经验。他的作品汲取中国传统⽂学、个⼈经历与对当代都市⽣活的观察，通过摄影呈现那些隐伏在物件、空间与关系之中的⼼理状态。
杨阳的实践建⽴在系统逻辑与情感经验之间的张⼒之上。⾦融⼯程与审计背景使他熟悉价值、证据与⻛险的逻辑；摄影则成为他观察不可量化经验的⽅式。艺术家将镜头转向记忆、亲密、沉默、欲望、悲伤与依恋等情感现实，关注这些经验如何在时间中累积，⼜如何通过物质、空间与图像显现出来。
杨阳的的作品具有严谨的逻辑与清晰的结构感。通过静物搭建、光影控制与空间安排，杨阳将普通物件转化为⼼理剧场中的⻆⾊。它们承载情绪，制造张⼒。叙事被压缩在物件之间的距离、⾊彩的冲突、阴影的⽅向与空间的停顿之中，使每⼀张图像都像⼀处被精确布置的⼼理现场
在这件延时摄影作品中，艺术家以固定机位反复拍摄同一处公交车站。拍摄发生在每天相近的时间，画面中的建筑结构、广告栏、站台与道路关系几乎保持不变;变化的，是经过的人、车辆、光线、反射，以及不断更新或被重复观看的广告图像。作品并不追踪某一个具体事件，而是以近乎冷静的方式记录一种城市日常机制:人们在相似的时间抵达同一地点，完成等待、经过、停留、离开的动作，又迅速被新的身体和新的影像替代。
公交车站在这里成为一种时间装置。它将不同人的生活路径短暂地压缩到同一个空间之中，使彼此无关的人在同一套交通系统、工作节奏和消费环境中发生重叠。作品因此呈现的不是戏剧性的相遇，而是都市生活中更普遍的同步性-人们共享同一种日常节奏，却并不真正共享彼此的生活。
画面最强烈的视觉张力来自两侧明亮广告与中央黑色区域之间的对照。广告图像色彩鲜明、信息密集，持续生产关于食物、娱乐、欲望与消费的承诺，成为城市中最主动、最具召唤性的视觉语言;而公交车站中央的空间则不断制造遮蔽，人的身体在其中被压缩为轮廓或残影。由此，作品形成一种反向关系:消费图像被充分照亮，真实的人却在公共空间中变得不稳定、不可辨认，甚至接近消失。这种黑色并非单纯的形式选择，也不只是情绪化的阴影，而更像是作品内部的沉默结构。它位于画面中心，却拒绝提供完整信息;它容纳人的经过，却不真正保留任何人。作品中的孤独因此并不来自个体的悲伤表情，而来自一种更冷静的空间事实:城市让人们靠得很近，共享同一个站台、同一段等待与同一种日常秩序，却并不真正使他们相遇。
最后一帧从公交车站内部拍摄，进一步改变了作品的观看关系。视角从外部进入情景中心。这个转换使观者从观察城市的人变成被城市结构包围的人。由此，杨阳将一个普通的公交车站转化为关于当代城市经验的精确切片:在这里重复的时间、明亮的消费、短暂的人群与共享的孤独，被固定在同一个不断返回的画面之中。
摄影师，诗人，中原油田摄影家协会会员，河南省诗歌研究会会员。1997年11月出生于河南濮阳，2024年至今于中国地质大学(北京)攻读工学博士学位。曾入展河南省文化馆“河之南——当代摄影艺术展”，作品分别在成都、上海、英国伦敦、杭州、郑州以及北京等地展出。
城市永远步履匆匆，车流穿梭、人行不息，钢筋水泥构筑的街巷始终裹挟着忙碌的节奏。艺术家将镜头对准平凡的城市街角，捕捉喧嚣都市里散落的松弛瞬间，定格属于市井日常的温柔弛豫。每一个画面都是生活的细碎切片，没有刻意的构图雕琢，没有浓烈的色彩渲染，以平实、克制的镜头语言，记录喧嚣与静谧的交织。街角是城市的缝隙，也是普通人情绪的缓冲地，奔波的疲惫、日常的琐碎，都在这片方寸街巷中慢慢消解。
自由摄影师，生于上海，成长于北方。常年漫步沪上街头与郊野，用影像聚焦时光流转下的景致变迁与人的状态和情感。作品曾多次参与小型展出，并获得LUMIX LUT CONTEST 2024大奖。
本系列选取作者近年于北京、上海街头拍摄的黑白影像，以个人视角聚焦和记录两座城市的空间肌理、市井日常与人文风貌，对比呈现两座中国超级都市的特质差异，捕捉两地居民共通的生存状态，及双城之间显性与隐性的内在联结。《双城记》作为作者的长期项目将继续下去，而“双城”又岂止是京沪。
周国献一直致力于纪实摄影和新纪实摄影的探索，曾参加2011/2015/2025丽水摄影节、2013/2014/2023/2025平遥国际摄影大展、2017大理国际影会、2016济南国际摄影双年展、2021/2023沈阳当代摄影学术邀请展等个展，2019北京国际摄影周、2024深圳国际摄影周、2025第九届丝路影像博览会等群展，并在北京蝴蝶效应艺术馆、宁波美术馆，以及武汉博物馆、江汉关博物馆、卓尔美术馆等举办个展；曾荣获2013年第13届中国平遥国际摄影大展优秀摄影师奖、2017年第六届侯登科纪实摄影奖提名奖等奖项。
汉口的码头文化与历史上的宝庆码头息息相关。汉正街东片的宝庆、板厂、永宁等社区就是当年宝庆码头的聚居地。宝庆码头是在清朝嘉庆年间由湖南宝庆府下辖的邵阳、武冈、新宁、新化等地的“宝庆帮”建立起来的，他们团结对外，叫响了“宝庆码头”的名号。自清嘉庆年间起，围绕宝庆码头的争斗持续140年之久，直到1949年武汉解放方告结束。如今码头争霸成了传说，汉正街宝庆码头片区也早已沧海桑田，周国献在宝庆码头拍摄的影像已成追忆。
ACADEMIC PARTNER & CURATOR
学术伙伴｜王远凌
摄影师、策展⼈、影像研究者、空间主理⼈。曾为媒体摄影记者，后做过⾃由摄影师（与全球媒体合作的职业摄影师）、影像艺术家、影像策展⼈等⼯作。 研究⽅向为影像公共化使⽤、以重庆为对象的城市影像（⽂献影像与当代影像）研究。 2020年，建⽴独⽴影像空间——「造」创意共享空间，以“⼈⼈皆有故事，⼈⼈皆可展示”为思想，尝试展览的公共性。
策展人｜春熙
摄影自媒体春熙照相馆主理人，长期关注和研究摄影创作。
策展人｜杨达
艺术家、策展人、清迈大学艺术学博士生。生于中国武汉，2017 年创办 L.A.P.画廊，2022 年创办武汉影像艺术中心。曾获“2023西双版纳国际影像展优秀摄影师奖”；获“2023大理国际影会金翅鸟最佳出版物奖”；获“2023第三届亚洲先锋摄影师成长计划年度提名奖”；“提名2021 C/O柏林新锐艺术奖”；获“2020年第五届德中文化交流基金会驻地奖”；获“2019澳大利亚BigCi国际艺术家驻地奖”；获“2019红门中国新锐艺术家驻地奖”；入围“2018美国普利策Miel基金奖”；入选“2018索尼青年摄影师发展计划”；入选“Top20 2017中国当代摄影新锐展”；获“2017美国国际摄影师联盟主席奖”；获“2016西双版纳国际影像展青年摄影师资助奖”；获“2015寻找中国青年玛格南摄影师奖”等。常年在中东、高加索、南亚、东南亚、中亚以及东亚地区驻地拍摄。到访近60个国家。主要关注国际问题，包括中东地区的种族问题，印度河流的环境问题，和东南亚湄公河流域的区域问题，中亚地区的民族研究以及具有独特性的中国议题。
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奥兰中国旗下的葡萄酒品牌“奥兰小红帽”致力于让年轻人尝试和理解葡萄酒，鼓励年轻人敲破社会陈规，打开内心世界，一起探索生活的乐趣。奥兰小红帽城市社区一直致力于所在城市中在地文化的培养，以酒为媒介将不同城市的青年艺术家、音乐人和成长于更多本地场景中的制作人DJ、小众品牌主理人、滑手、装置艺术家&涂鸦艺术家等不同圈层文化不同领域的年轻人们串联在一起，让年轻人在轻松的自然的状态展现自我、互相交流激发灵感。
